Galería Mecánica presenta la exposición colectiva "Tiempos Canallas".

La Galería Mecánica (Sevilla) presenta la exposición colectiva Tiempos Canallas, que podrá visitarse, desde el 1 de Febrero al 5 de Marzo, un proyecto comisariado por la crítico de arte Regina Pérez Castillo en el que a través de la ironía y el sarcasmo se abren las puertas al tabú y lo vetado.

A nadie se le ocurriría dudar que vivimos en un mundo desacralizado, sin embargo, ciertos asuntos siguen provocando entre nosotros la ofensa, el sonrojo o la intriga. ¿Porqué seguimos reaccionando así cuando nuestros valores éticos y morales ya han sido abolidos?

Eugenio Merino, Carlos Aires, María Cañas, Juan Carlos Robles, Julio Falagán, José Antonio Reyes, Esteban Zapata y Daniel Silvo son los integrantes y representantes de una potente generación que se ha valido del sarcasmo, la mordacidad y la inteligencia para hablar de algunos temas que todavía hoy son considerados espinosos.

No importa la trascendencia del asunto (la guerra, el sexo, la religión,...), todos ellos han sabido superar la frivolidad polémica y el reclamo fácil, dejando paso a una visión personal, madura y crítica.

Eugenio Merino y Carlos Aires plantean una revisión de la historia humana, donde la principal cuestión gira en torno al rol del vencedor y del vencido. Mientras Merino hace uso del alambre de espino como símbolo de ese vínculo, Aires prefiere aislar al protagonista del conflicto, descontextualizarlo y ubicarlo en la hoja de un cuchillo. Pero a veces la historia confunde al villano y al bondadoso. El ejemplo más claro lo encontramos en la obra del artista colombianoEsteban Zapata, que ha retratado las diferentes "caras" del narcotraficante colombiano Pablo Escobar, el cual ostenta esa personalidad ambigua: un santo en Colombia y un diablo en EEUU. María Cañas, por su parte, reivindica la pornografía como lenguaje creador y se basa en ella para recrear un mundo en el que la virtud ha sido demacrada. Un cosmos en el que todo empeora a la vez que mejora, manteniendo nuestros anhelos y perversiones vivos. Esa doble moral también está presente en la obra de Juan Carlos Robles quien además define con ahínco el concepto de "ruina" (urbana y humana). Daniel Silvo consigue arrebatar el aura al mayor protagonista de nuestro tiempo: el Dinero, llevando a cabo labores de papiroflexia con billetes de Euro. Julio Falagán se aproxima al mundo religioso para hablarnos de esa cruz en la que todos acabamos clavados y José Antonio Reyes se inmiscuye en el controvertido mundo del toreo para averiguar quien es el auténtico protagonista de la fiesta: ¿el toro o el torero?

¿Qué nos pueden aportar este manojo de "canallas"? Una visión renovada, ingeniosa y lacerante, que puede enojarnos y divertirnos a la vez, pero sobre todo, consiguen exponer con naturalidad aquello que todavía hoy provoca más de una disputa, liberándonos de esa carga escrupulosa y nociva.

Art Madrid '13 Llega con Importantes Novedades.

La octava edición de la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid contará con la participación de 39 galerías, nacionales e internacionales, y abrirá sus puertas del 13 al 17 de febrero en su nueva ubicación del Ático de la Estación de Chamartín. 

Atendiendo a los cambios producidos en el mercado del arte y, concretamente, en el modelo de negocio de las galerías, Art Madrid ha diseñado un nuevo modelo de feria, con una mayor exigencia de calidad y un formato más reducido, con la presencia de 39 galerías -distribuidas en un amplio espacio de 2.500 metros cuadrados de exposición-, y doblando su presencia anual, con una primera convocatoria del 13 al 17 de febrero de 2013 y la siguiente en el mes de noviembre. Esta doble convocatoria pretende que las galerías y, por tanto, sus artistas tengan una mayor visibilidad durante todo el año. 

Otra de las novedades es el cambio de emplazamiento, desde el anterior en la Casa de Campo al actual, en el Ático de la Estación de Chamartín. El nuevo espacio cuenta con tres salas diáfanas y abovedadas, idóneas para realizar una feria de arte. Además, la nueva ubicación facilitará el acceso a una mayor cantidad de visitantes, que podrán llegar hasta ella en automóvil, Metro y trenes de cercanías. 

Junto al programa general, la feria mantiene el programa One Project, la gran apuesta de la feria por el arte joven, con la presencia de nuevos medios y soportes no convencionales. One Project, comisariado por el crítico Javier Rubio Nomblot, acoge galerías que participan con un proyecto específico de un artista menor de 45 años, dispuestos en stands de 10 m² y en un espacio diferenciado dentro de la feria. 

En el marco de la feria y en colaboración con Montana Colors, el artista Miguel Ángel Belinchón "Belin", especialista en arte urbano y graffiti, realizará en vivo un mural gigante de 10 metros de largo por 3'22 de alto, en la pared exterior de la nave que acoge la feria.

Miquel Barceló inaugura hoy "Manifiesto de barro", en Galeria Elvira González

Miquel Barceló inaugura el sábado 26 de enero de 2013 su primera exposición individual en la Galería Elvira González. Se trata, además, de la primera exposición que Barceló realiza en una galería española desde hace más de una década.

La muestra recoge su obra reciente, realizada en su totalidad en el 2012, año en el que Barceló ha trabajado sobre todo con cerámica. El artista lleva años trabajando con este material y últimamente ha intensificado su uso ya que, en sus propias palabras “es el material que mejor recoge los defectos y las imperfecciones”.

Como en su pintura, Barceló maneja el material escogido con destreza y soltura, dando lugar a unas soluciones formales transformadoras e impactantes.En palabras del propio artista: El tema de muchas de estas obras es la pintura. La arcilla se convierte en pintura, en lienzo y dibujo. Para abreviar, una transmutación. La arcilla se convierte en pintura y así en carne de nuevo.

En su conjunto, la exposición muestra la versatilidad artística de Barceló con su estilo inconfundible que le ha 

convertido en uno de los artistas contemporáneos españoles con mayor proyección internacional.

Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) tuvo sus primeros contactos con la pintura desde muy joven con su madre Francisca Artigues a quien le gustaba pintar y con la que Miquel compartía esta afición. Asiste a partir de 1972 a l’Escola d’Arts i Oficis de Palma de Mallorca y ha sido considerado, desde muy joven, como uno de los mejores artistas europeos de nuestro tiempo. 

Recibió de forma temprana el reconocimiento internacional. Con 24 años participa en la Bienal de Sao Paulo 

(Brasil) 1981 y con 25 en la Documenta de Kassel (Alemania) en 1982. Desde este momento su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español en los años ochenta. En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, dos años después, instala su taller en Mali, un país en el que centra su fascinación por África.

Su labor artística abarca diferentes disciplinas, como la pintura, la escultura y la cerámica. Representante español en el Pabellón Bienal de Venecia en 2009 su obra ha sido expuesta en la Whitechapel de Londres, el Centre Georges Pompidou de París, el MACBA de Barcelona o el museo Louvre de París. En la pinacoteca francesa expuso en 2004 las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia.

En 2003 recibió el premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 2008 inauguró la cúpula de la Sala XX del Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra. Recientemente ha sido reconocido con el Premio Penagos de Dibujo 2011 e investido doctor honoris causa por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona.

Concurso Internacional de Artes Plásticas y Visuales de Chelsea 2013

Agora Gallery de Nueva York patrocina anualmente el Concurso Internacional de Artes Plásticas y Visuales de Chelsea, un concurso de arte de notoriedad que ha sido evaluado por jurados excepcionales como curadores de museos prominentes y expertos del mundo del arte. Es una gran oportunidad para que los artistas seleccionados por el jurado, ganen una plataforma para exponer su trabajo en el famoso distrito de Arte de Chelsea.

El Concurso Internacional de Artes Plásticas de Chelsea está abierto a artistas plásticos y visuales de cualquier parte del mundo, y en todas las etapas de su carrera. En años anteriores, el jurado ha seleccionado a artistas que trabajan en pintura, escultura, fotografía, dibujo, técnica mixta y gráfica.

La inscripción al 28º Concurso Internacional de Artes Plásticas iniciará el 12 de Febrero del 2013. 

Influyentes voces del mundo de arte de Nueva York participan como jurado, siendo el elegido en la edición de  2013 Anthony Haden-Guest, un escritor británico, periodista, dibujante, crítico de arte y actor ocasional, que vive en Nueva York y Londres.

Los premios se distribuirán a los artistas seleccionados por el jurado. Estos incluyen la participación en la renombrada exposición del Concurso Internacional de Artes Plásticas, en el corazón de Chelsea, Nueva York; una reseña, premios en efectivo y promoción exclusiva en Internet. Estos premios, valorados en un total de 55.000 dólares, se eligen específicamente para ayudar a promover artistas en sus carreras y para maximizar su visibilidad frente a los coleccionistas y el mercado de arte de Nueva York. Hay una cuota de participación de 35 dólares hasta 5 imágenes, y 5 dólares por cada imagen adicional.

Parece una propuesta más que interesante por lo que os animamos a participar. Tenéis más información y las bases del concurso justo AQUI.

"Freehands" de Javier Fresneda en la Galería José Robles de Madrid

Hoy se inaugura en la Galería José Robles de Madrid la que es la segunda exposición individual de Javier Fresneda. MFA por la UEM-Universidad Europea de Madrid, actualmente es doctorando en Bellas Artes por la UCM-Universidad Complutense Madrid. Su trabajo se ha venido desarrollando en la investigación de la relación que existe entre el hombre y su entorno a través de la exploración de los limites del espacio, pero esta vez va un paso más allá y profundiza en el papel que los medios técnicos tienen en esa relación en el mundo actual.

Freehands compila piezas e intervenciones realizadas en Alemania y México durante 2011 y 2012. Desde la invención de un código de gestos manuales, Fresneda propone relaciones con objetos cotidianos como si de interfaces se trataran, imaginando objetos potenciales que afectan al entorno y sus imágenes. La aproximación del cuerpo hacia la arquitectura genera para el artista un campo de relaciones y experiencias capaces de ser cartografiadas y puestas en relación con el público. La mirada doble, redundante o embriagada aporta pistas a Fresneda en su negociación con la idea de artefacto, de objeto y texto culturalmente connotado.

En trabajos previos, Fresneda incide en cómo voluntad de conocer aporta premisas y relaciones, utilizando para ello metodologías que nacen del potencial creativo. En MultipleMountain (2010) realiza una exhaustiva relectura de la historia del ochomilismo para escoger y describir las rutas de alpinismo más duras y complejas. Proyectos del absurdo que, descritos como modelos de origami y escultura 3D permiten a Fresneda narrar una genealogía subjetiva del encuentro con los límites del mundo. En Stamina (2011) dicho encuentro se efectúa en 7 edificios en ruinas de la periferia de Berlín (Alemania) a través de series de escalada, esculturas digitales e imágenes que vinculan el cuerpo en movimiento y el espacio descrito desde el tiempo.

Como indica Martí Manen: “Fresneda incorpora en el arte un modo de trabajo propio del mundo globalizado y tecnológico en el que vivimos, donde tanto cuerpo como paisaje son código. Su aproximación física a la realidad es también lingüística y performativa: reaccionamos y hacemos, sentimos y desconocemos, codificamos constantemente”. 

Freehands reivindica la actitud como el valor decisivo en la investigación del mundo y las relaciones con los otros. Considerar nuestro entorno inmediato como pieza de una contexto más amplio cuestiona nuestro enredo con nuevas naturalezas de las que sólo somos co-creadores.

La exposición se acompaña de un texto específico realizado conjuntamente por Martí Manen y Javier Fresneda, y diseñado por Carlos Fernández-Pello.

Javier Fresneda (Segovia, 1982 - vive y trabaja en Ciudad de México). Su obra ha sido exhibida en AKV St. Joost de Holanda, el SOMA de México, la Gallery Weekend de Berlin; el CA2M de Madrid; Paralelos Manifesta8; Altes Finanzamt de Berlin; Matadero Madrid; Kunsthaus Bethanien de Berlín y en la V Bienal VentoSul de Brasil. Presente en colecciones como Fundación IAC (México) o INDOC (España), ha participado en ferias como Liste Basel, ARCO o JustMad. Actualmente representado por galería José Robles participa en la edición de ARCO 2013.

La invención concreta. Colección Patricia Phelps de Cisneros, en el MNCARS del 23 de Enero al 16 de Septiembre

"La invención concreta" constituye la primera exposición organizada en Europa y la más completa realizada hasta la fecha de la importante Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC).

Comisariada por Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, y Gabriel Pérez-Barreiro, director de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, la muestra se compone de aproximadamente doscientas obras —pintura, escultura, instalación, collage y obra gráfica— que dan a conocer un periodo clave de la modernidad

latinoamericana (desde los años treinta hasta la década de los setenta); muchas de las cuales nunca se han visto en España con anterioridad y una veintena proceden del MoMa de Nueva York, institución a la que fueron donadas por la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

La exposición cobra sentido en el contexto de las nuevas narraciones sobre la modernidad, abandonando la visión dominante hasta hace relativamente poco que consideraba las exposiciones de América Latina ligadas a la visión del otro como

marginal, en el contexto de la antigua dinámica centro-periferia.

La exposición La invención concreta centra su atención en el desarrollo de la abstracción geométrica en Latinoamérica, abarcando un marco cronológico que se inicia en los años treinta y concluye en la década de los setenta del siglo XX.

Aunque este tipo de arte abstracto se desarrolló inicialmente en Europa y Rusia, algunos artistas sudamericanos lo asumieron como lenguaje de un futuro cosmopolita y progresista desde las modernas ciudades de Montevideo, Buenos Aires, São Paulo, Río de Janeiro y Caracas. La abstracción geométrica se convierte así en un vehículo de expresión de la emergencia de un continente que exploraba a mediados del siglo XX nuevas ideas políticas y culturales.

El relato expositivo se estructura a partir de la idea de intención artística, considerando las obras como manifiestos visuales capaces de expresar diversas concepciones sobre lo que puede y debe ser el arte y el rol que este desempeña en la sociedad. Muchos de los autores de estos trabajos se ocuparon de escribir las teorías que mantenían sobre estas cuestiones en artículos, revistas y polémicos manifiestos en los que se proclamaban las características de un nuevo lenguaje artístico que, a pesar de sus aspiraciones universales, se dotaba de un significado diferente en relación con cada contexto.

Las obras que configuran esta exposición se agrupan al margen de su lugar y año de creación, atendiendo a criterios de afinidad de los autores desde los cuales entender que la cercanía en el uso del lenguaje artístico no se traduce necesariamente en una finalidad común respecto al objetivo de su arte. Todos estos trabajos proceden de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, una de las más importantes en lo que al arte contemporáneo latinoamericano se refiere, con la que el Museo Reina Sofía ha establecido un convenio de colaboración.

Roberto González Fernández "SAN SEBASTIÁN", en la Galeria Espacio 48 de Santiago de Compostela

La galería de arte Espacio48 presenta la exposición “SAN SEBASTIÁN” del artista Roberto González Fernández, que se inaugurará el próximo jueves 24 de Enero a las 20.00 horas y permanecerá abierta hasta el 8 de Marzo de 2013.

Roberto González Fernández (Monforte de Lemos, 1948), estudia en la Escuela de BB.AA. de San Fernando de Madrid entre 1969 y 1974. Tres años después se traslada a Edimburgo, lugar que se convertirá en uno de los escenarios fundamentales de su vida y obra -ya que reside y trabaja desde 1982 entre la capital escocesa y Madrid-, sin perder el contacto con su Galicia natal, donde realiza exposiciones puntuales. En 1984 es becado por “The New York Foundation for the Arts”. Su trayectoria es muy prolífica, con múltiples muestras individuales y colectivas. En 2007 realizó una exposición antológica “Punto e Seguido” presentada en el Centro Torrente Ballester de Ferrol donde se exhibieron unas trescientas obras de su amplio catálogo que abarcaban un período de cuarenta años de trabajo.

Su obra forma parte de importantes colecciones gallegas (Centro Galego de Arte Contemporánea, Colección Novagalicia Banco, Diputación de La Coruña, Museo de Bellas Artes de La Coruña), escocesas (Edinburgh City Art Center, Museo Hunterian y Museo Kelvingrove de Glasgow) y españolas (Fundación Argentaria, Comunidad de Madrid), así como otros centros de arte en el mundo (Colección Forbes de Nueva York y el Museo Victoria & Albert de Londres), entre otras.

En “SAN SEBASTIÁN” Roberto González Fernández presenta siete de los treinta y tres óleos que forman parte de la serie DEAYM (De Amor y Muerte). En las piezas el artista retrata a personajes que conoce representados según la iconografía del citado mártir, con flechas atravesando a cada uno de ellos. Pero esa muerte aquí se torna distinta, perdiendo su parte tormentosa, ya que quien la sufre son personas de carne y hueso, que desmitificadas expresan dolor y placer al mismo tiempo y que se conmueven ante esta situación tan ambigua como es la de formar parte de una iconografía clásica reinterpretada de forma tan especial. Una ceremonia donde el amor está muy presente, ya que cada uno de los representados cruza las manos sobre el pecho, lo que en lenguaje de sordomudos significa querer. Por otra parte, la riqueza de los paisajes que rodean estos “héroes contemporáneos”, está íntimamente relacionada con el carácter del modelo, y nos transmite una información adicional que visualmente resulta espectacular.

Complementan los óleos el aguafuerte I Love You IV, que es la base de la serie completa: un personaje vestido de medio cuerpo con los ojos cerrados, cruza sus brazos sobre el pecho mientras una saeta atraviesa el cuello y otras dos, las manos.